Kernpunkte

• Gregorianischer Choral (ab 8./9. Jh.): einstimmiger, unbegleiteter Gesang der lateinischen Liturgie. Modale Tonsprache (acht Kirchentonarten). Drei Vortragsweisen: syllabisch (1 Note pro Silbe), neumatisch (wenige Noten pro Silbe), melismatisch (viele Noten pro Silbe).
• Notation: Neumen (8.-10. Jh., relative Höhe), später Linien (Guido von Arezzo, ca. 1025). Mensuralnotation (rhythmische Bezeichnung) ab dem 13. Jh.
• Hildegard von Bingen (1098–1179): erste namentlich bekannte Komponistin. Geistliche Gesänge (Symphonia armoniae caelestium revelationum), liturgisches Drama „Ordo virtutum“.
• Notre-Dame-Schule (Paris, ca. 1170–1240): Leoninus und Perotinus entwickeln Organum (Mehrstimmigkeit als Verzierung eines Cantus firmus aus der Gregorianik). Perotinus komponiert vierstimmige Organa.
• Ars antiqua (13. Jh.) und Ars nova (14. Jh.): Die Ars nova - benannt nach dem Traktat „Ars nova“ (um 1320, Philippe de Vitry zugeschrieben) - bringt eine rhythmische Verfeinerung durch neue Mensuren (zweizeitige Teilung wird gleichberechtigt zur dreizeitigen) und die isorhythmische Motette, in der ein Tenor-Rhythmusmodell (talea) und eine Tonfolge (color) unabhängig voneinander wiederholt werden.
• Guillaume de Machaut (ca. 1300–1377): bedeutendster Komponist und Dichter der Ars nova. Seine „Messe de Nostre Dame“ (vor 1365) gilt als die erste vollständige, einem namentlich bekannten Komponisten zuschreibbare Vertonung des Mess-Ordinariums (Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus, Agnus Dei + Ite missa est), vierstimmig und teils isorhythmisch angelegt.
• Trobadors und Trouveres (12.-13. Jh.): südfranzösische und nordfranzösische Liedkunst der Adelsschicht. Minnesang in deutschsprachiger Tradition (Walther von der Vogelweide).

Kernpunkte

• Renaissance (ca. 1430–1600): Blütezeit der mehrstimmigen Vokalmusik. Niederländische Schule führend (Dufay, Ockeghem, Josquin Desprez).
• Cantus firmus-Technik: ein vorgegebener Cantus (oft Gregorianik oder Volkslied) bildet das Gerüst, um das die anderen Stimmen polyphon herumgesponnen werden.
• Imitation: ein Motiv wird von einer Stimme zur nächsten weitergegeben. Verfahren der „Durchimitation“ prägt Josquins Stil („Ave Maria... virgo serena“).
• Giovanni Pierluigi da Palestrina (1525–1594): römische Schule, vollkommene Vokalpolyphonie der Gegenreformation. „Missa Papae Marcelli“ als Inbegriff klaren a-cappella-Satzes. Palestrinastil als Lehrmodell des Kontrapunkts (Fux, Gradus ad Parnassum).
• Madrigal (italienisch, 16. Jh.): weltliches mehrstimmiges Lied mit hoher Textbezogenheit (Madrigalismus = musikalische Textmalerei). Komponisten: Marenzio, Gesualdo (chromatisch radikal), Monteverdi.
• Reformation: Martin Luther komponiert deutsche Choräle („Ein feste Burg ist unser Gott“). Damit Entstehung der protestantischen Kirchenliedtradition.
• Instrumentalmusik beginnt sich aus Vokalpraxis zu lösen: Tanzformen, Toccata, Ricercar. Lautenmusik in der Adelskultur.

Kernpunkte

• Barock (1600–1750): Beginn mit Generalbass-Praxis und Geburt der Oper. Ende mit Bach (1750). Portugiesisch „barroco“ = unregelmäßige (schiefrunde) Perle (ursprünglich abwertend).
• Generalbass (basso continuo): aufgezeichnete Bass-Stimme + bezifferte Akkorde, ausgeführt durch Continuo-Gruppe (Cembalo/Orgel + Cello/Fagott). Grundprinzip barocker Musik.
• Affektenlehre: Musik soll bestimmte Affekte (Freude, Trauer, Zorn, Liebe) hervorrufen. Jeder Satz bzw. jede Arie verkörpert einen Hauptaffekt durch konstante musikalische Mittel (Tonart, Rhythmus, Figuren).
• Oper: Geburt um 1600 in Florenz (Camerata Fiorentina). Claudio Monteverdi (1567–1643), „L’Orfeo“ (1607) als erste durchkomponierte große Oper. Später Neapolitanische Oper (Scarlatti) mit Standardisierung der Da-capo-Arie.
• Antonio Vivaldi (1678–1741): Konzert-Komposition, „Die vier Jahreszeiten“ als Programm-Konzerte. Ritornellform (Wechsel Tutti-Solo-Tutti).
• Henry Purcell (England, 1659–1695): „Dido and Aeneas“ (1689), Blütezeit der englischen Vokalmusik. Lamento-Arie „When I am laid in earth“ über Ground-Bass.
• Concertato-Stil: Wechselspiel zwischen verschiedenen Klanggruppen (Soli vs. Tutti, hohe vs. tiefe Stimmen). Mehrchörigkeit der venezianischen Schule (Gabrieli).

Kernpunkte

• Johann Sebastian Bach (1685–1750): Lutheraner, Thomaskantor in Leipzig (ab 1723). Gattungen: Kantate (ca. 200 erhalten), Passionen (Johannes-, Matthäus-Passion), Messe in h-Moll, „Wohltemperiertes Klavier“, Orgelwerke, „Kunst der Fuge“.
• Bach-Stil: höchste kontrapunktische Dichte, Synthese italienischer (Vivaldi-Konzertstil), französischer (Suite, Ouverture) und deutscher Traditionen. Choralvertonung als Kern der Kantaten und Passionen.
• Georg Friedrich Händel (1685–1759): Anglikaner, lebt seit 1712 in London. Gattungen: italienische Opera seria (z. B. „Giulio Cesare“), englische Oratorien („Messiah“, „Israel in Egypt“). Bekannt für eingängige Melodik und plastische Affektdarstellung.
• Händel-Stil: opernhaft-dramatisch, klare melodische Konturen, weniger kontrapunktisch dicht als Bach. Oratorium als „Massenmedium“ der bürgerlichen Londoner Gesellschaft.
• Vergleich: Bach komponiert vorwiegend für den lutherischen Gottesdienst und das Lehrwerk; Händel für die kommerzielle Aufführung im Opern- und Konzerthaus. Bach starb relativ unbekannt; Händel war zu Lebzeiten berühmt.
• Bach-Renaissance: nach Bachs Tod fast vergessen, durch Mendelssohns Aufführung der Matthäus-Passion 1829 in Berlin wiederentdeckt - Beginn der historisch orientierten Aufführungspraxis.
• Telemann, Buxtehude, Pachelbel als weitere wichtige Komponisten des Spätbarock - Telemann zu Lebzeiten berühmter als Bach.

Kernpunkte

• Rezitativ und Arie sind die beiden Grundbausteine barocker Vokalmusik: das Rezitativ trägt die Handlung (sprechnah, knapp begleitet), die Arie hält einen Affekt fest (melodisch ausgestaltet, oft Da-capo-Form ABA).
• Secco-Rezitativ (nur Continuo-Begleitung) vs. Accompagnato-Rezitativ (mit Orchester) - das Accompagnato kennzeichnet dramatisch wichtige Momente.
• Die geistliche Kantate (Bach) verbindet Choral, Rezitativ, Arie und Chor zu einer auf das Kirchenjahr bezogenen Einheit; der Schlusschoral fasst die Gemeinde-Perspektive zusammen.
• Die Passion (Bach: Johannes-, Matthäus-Passion) vertont die Leidensgeschichte: Evangelist (Tenor-Rezitativ), Turba-Chöre (Volksmenge), Betrachtungs-Arien und rahmende Choräle.
• Das Oratorium (Händel „Messiah“) erzählt geistliche Stoffe konzertant, ohne Szene und Kostüm; der Chor trägt eine zentrale dramaturgische Rolle.
• Die Oper (Monteverdi, neapolitanische Schule) ist die szenische Schwester des Oratoriums; die Opera seria standardisiert die Da-capo-Arie als Affekt-Träger.
• Der Generalbass begleitet alle diese Gattungen; die Continuo-Gruppe (Cembalo/Orgel plus Bassinstrument) realisiert die bezifferten Harmonien.

Kernpunkte

• Notationsgeschichte: Neumen (8.-10. Jh., relative Tonhöhe) - Liniensystem (Guido von Arezzo, ca. 1025) - Quadrat- und Mensuralnotation (rhythmische Bezeichnung ab 13. Jh.) - moderne Notenschrift (ab 17. Jh.).
• Guido von Arezzo führt die Solmisationssilben (ut-re-mi-fa-sol-la) ein - Grundlage der Gehörbildung und des Vom-Blatt-Singens.
• Tonsysteme und Stimmung: pythagoreische Stimmung (reine Quinten), mitteltönige Stimmung (reine Terzen, begrenzte Tonarten), wohltemperierte und schließlich gleichstufige Stimmung (alle Halbtöne gleich, alle Tonarten spielbar).
• Bachs „Wohltemperiertes Klavier“ demonstriert programmatisch das Spielen in allen 24 Dur- und Molltonarten - möglich erst durch temperierte Stimmung.
• Instrumentenentwicklung: Cembalo (gezupft, dynamisch unflexibel) - Hammerklavier/Pianoforte (ab ca. 1700, dynamisch differenziert) - moderner Konzertflügel (größerer Umfang, Eisenrahmen).
• Streich-, Holz- und Blechblasinstrumente entwickeln sich technisch (Ventiltrompete/-horn ab 19. Jh. ermöglichen chromatisches Spiel); das Orchester wächst von Barock (ca. 20–30) bis Spätromantik (100+).
• Stimmtonhöhe ist historisch variabel: Barock-Stimmung oft a = 415 Hz, modern a = 442 Hz - relevant für die historisch informierte Aufführungspraxis.