Kernpunkte

• Arnold Schönberg (1874–1951): Wiener Komponist, Theoretiker, Maler. Drei Phasen: spätromantisch (op. 1–7, „Verklärte Nacht“ 1899), atonal (op. 11–15, „Pierrot lunaire“ 1912), zwölftönig (ab op. 23, ca. 1921/23).
• Atonale Phase: Auflösung der Funktionsharmonik, keine Tonika mehr. Werke: „Erwartung“ op. 17 (Monodram), „Pierrot lunaire“ op. 21 (1912, Sprechgesang, Kammerensemble).
• Zwölftontechnik (ab 1923): systematische Methode zur Komposition mit allen 12 Tönen. Grundreihe (O) und drei Transformationen (Umkehrung I, Krebs R, Krebsumkehrung RI), je 12 Transpositionen = 48 Reihenformen.
• Zweite Wiener Schule: Schönberg + Alban Berg (1885–1935, Opern „Wozzeck“ 1925, „Lulu“ 1937; Violinkonzert „Dem Andenken eines Engels“ 1935) + Anton Webern (1883–1945, Sinfonie op. 21, Streichtrio op. 20).
• Berg integriert Zwölftontechnik mit tonalen Anklängen (Violinkonzert mit dem Bach-Choral „Es ist genug“ aus der Kantate BWV 60 im Schlusssatz - die ersten vier Töne des Chorals decken sich mit den letzten vier Tönen der Reihe). Webern radikalisiert: extreme Kürze (Sätze unter 1 min), Punktuelle Faktur.
• Schönbergs Exil: 1933 NS-Verbot („entartete Musik“), Emigration in die USA. Werke im Exil: „Ein Überlebender aus Warschau“ op. 46 (1947, Holocaust-Erinnerung).

Kernpunkte

• Igor Strawinsky (1882–1971): Russe, lebte in Paris, dann USA. Drei stilistische Phasen: russisch-folkloristisch („Le Sacre du Printemps“ 1913), neoklassisch („Pulcinella“ 1920, „Symphonie de Psaumes“ 1930), seriell-spät („Threni“ 1958).
• „Le Sacre du Printemps“ (1913, Ur-Aufführung in Paris): bahnbrechende Rhythmik (wechselnde Taktarten, Polyrhythmik), dissonante Akkordballungen (Bitonalität), urtümlich-archaische Themen aus russischer Volksmusik. Skandalon bei der Uraufführung.
• Neoklassizismus (Strawinsky ab ca. 1920): Rückgriff auf vorklassische und klassische Formen (Suite, Konzert, Fuge), aber mit modernen harmonischen und rhythmischen Mitteln. Antwort auf die spätromantische Überhitzung.
• Bela Bartok (1881–1945): Ungar, Volksmusik-Forscher. Sammelte und transkribierte über 10.000 Volkslieder aus Ungarn, Rumänien, Slowakei, Bulgarien.
• Bartok-Werke: 6 Streichquartette (Höhepunkt der Gattung im 20. Jh.), „Konzert für Orchester“ (1943), „Musik für Saiteninstrumente, Schlagzeug und Celesta“ (1936). Stil: chromatisch erweiterte Modi, asymmetrische Rhythmen (bulgarische Metren 7/8, 5/8).
• Maurice Ravel (1875–1937, Frankreich) und Claude Debussy (1862–1918, Frankreich): Impressionismus. Klangfarbenmusik, modale und ganztönige Harmonik, programmatische Klavierstücke („La Mer“, „Prelude a l’apres-midi d’un faune“).

Kernpunkte

• John Cage (1912–1992): amerikanischer Komponist, Philosoph, Pilzkundler. Schüler Schönbergs (Los Angeles, USC/UCLA, 1934–35), später Zen-Buddhist.
• Präparierter Klavier (ab 1940): Schrauben, Radiergummis, Holz zwischen den Saiten verwandeln das Klavier in ein Schlagzeug-Orchester. „Sonatas and Interludes“ (1948).
• „4’33″“ (1952): drei Sätze totale Stille; der Pianist markiert Anfang und Ende jedes Satzes durch Schließen bzw. Öffnen des Klavierdeckels (uraufgeführt von David Tudor 1952). Ästhetisches Statement: jede Stille ist von Umgebungsgeräuschen erfüllt; Musik ist Zuhören.
• Aleatorik (von lat. alea = Würfel): Komposition mit Zufallselementen. Cage benutzt das I Ging (chinesisches Orakel) zur Komposition („Music of Changes“ 1951). Andere: vorgegebene Spielmaterialien, deren Reihenfolge der Interpret bestimmt.
• Karlheinz Stockhausen (1928–2007): WDR Köln, elektronische Musik. „Gesang der Jünglinge“ (1956): elektronische Klänge + Knabenstimme. „Klavierstück XI“ (1956) als europäische Aleatorik (19 vorkomponierte Felder, Reihenfolge variabel).
• Pierre Boulez (1925–2016): Frankreich, integraler Serialismus („Le marteau sans maitre“ 1954). Später Dirigent (Ensemble Intercontemporain, IRCAM-Direktor).
• Mauricio Kagel (1931–2008): Instrumentales Theater, Komposition als Aufführungsritual („Match“ für 3 Spieler, „Staatstheater“ 1971).

Kernpunkte

• Minimal Music (USA, ab 1960): Komposition mit minimalem Material und langsam transformierenden Patterns. Hauptvertreter: Steve Reich, Terry Riley, Philip Glass, La Monte Young.
• Steve Reich (geb. 1936): „Clapping Music“ (1972, zwei Spieler mit phasenverschobenem Klatschen), „Music for 18 Musicians“ (1976), „Different Trains“ (1988, Streichquartett + Sprachsamples zur Holocaust-Erinnerung).
• Philip Glass (geb. 1937): Oper „Einstein on the Beach“ (1976), Filmmusik („Koyaanisqatsi“ 1982, „The Hours“ 2002). Stil: arpeggierte Akkordfolgen, repetitive Strukturen.
• Klangkomposition (Klangfarbenmusik): Helmut Lachenmann (geb. 1935) „musique concrete instrumentale“ - normale Instrumente werden zu Geräuscherzeugern. „Pression“ für Cello (1969).
• György Ligeti (1923–2006): „Atmospheres“ (1961, durch „2001: A Space Odyssey“ berühmt) - Klangflächen-Komposition (Mikropolyphonie). „Lux aeterna“, „Etüden für Klavier“.
• Postmoderne in der Musik (ab ca. 1975): Stilpluralismus, Zitat-Technik, Auflösung der Avantgarde-Ideologie. Komponisten: Alfred Schnittke (Polystilistik), Wolfgang Rihm, Hans Werner Henze, John Adams.
• Spektralmusik (Frankreich, IRCAM): Komposition auf Basis der Obertonreihe und Klanganalyse (FFT). Gerard Grisey, Tristan Murail.

Kernpunkte

• Der musikalische Impressionismus (Frankreich, um 1900) löst die funktionsharmonische Zielgerichtetheit zugunsten von Klangfarbe und Stimmung auf. Hauptvertreter: Claude Debussy (1862–1918), Maurice Ravel (1875–1937).
• Harmonische Mittel des Impressionismus: Ganztonleiter (keine Halbtonschritte, kein Leitton), Pentatonik, parallele Akkordverschiebungen (Quint-/Septakkord-Parallelen), nicht-aufgelöste Septim- und Nonakkorde - Klang als Selbstzweck.
• Debussy „Prelude a l’apres-midi d’un faune“ (1894) gilt als Schlüsselwerk; „La Mer“ und die Klavier-„Preludes“ malen atmosphärische Bilder ohne festes Programm.
• Der Begriff „Impressionismus“ ist aus der Malerei (Monet) entlehnt; Debussy selbst lehnte ihn ab - Parallele ist die Auflösung fester Konturen zugunsten von Licht/Klang.
• Der Expressionismus (Mitteleuropa, ca. 1905–1925) ist das Gegenstück: nicht äußere Stimmung, sondern innerer seelischer Ausnahmezustand. Mittel: Dissonanz, extreme Dynamik, Sprunghaftigkeit, Atonalität.
• Schönbergs atonale Werke („Erwartung“, „Pierrot lunaire“ 1912 mit Sprechgesang) sind musikalischer Expressionismus; Parallele zur Malerei (Kandinsky, „Der Blaue Reiter“) und Literatur.
• Beide Strömungen reagieren auf die Krise der Spätromantik, gehen aber entgegengesetzte Wege: Impressionismus entspannt die Spannung (Klangfläche), Expressionismus steigert sie (Dissonanz, Atonalität).

Kernpunkte

• Musique concrete (Pierre Schäffer, Paris ab 1948): Komposition mit aufgenommenen Alltags- und Naturgeräuschen, montiert und verfremdet auf Tonband - das Klangmaterial stammt aus der „konkreten“ Welt.
• Elektronische Musik im engeren Sinn (WDR-Studio Köln ab 1951): Klänge werden synthetisch (Sinusgeneratoren, Rauschen) erzeugt und auf Tonband organisiert. Eimert und Stockhausen als Pioniere.
• Stockhausen „Gesang der Jünglinge“ (1956) verschmilzt elektronische Klänge und aufgenommene Knabenstimme - ein Brücke zwischen musique concrete und elektronischer Synthese.
• Integraler (totaler) Serialismus: nicht nur Tonhöhe, sondern auch Dauer, Lautstärke und Klangfarbe werden seriell organisiert (Boulez „Structures Ia“ 1952, Stockhausen „Kreuzspiel“).
• Live-Elektronik und Raummusik: Klang wird im Raum bewegt (Stockhausen „Gruppen“ für drei Orchester, „Kontakte“); Lautsprecher werden zu kompositorischen Parametern.
• Das Tonbandstudio macht Klang erstmals direkt formbar (Schnitt, Schichtung, Geschwindigkeit, Rückwärts) - das Studio wird zum Instrument und Vorläufer der späteren digitalen Produktion.
• Diese Avantgarde versteht sich als konsequente Fortsetzung der Schönberg-Webern-Linie: Rationalisierung und Erweiterung des kompositorischen Zugriffs auf alle Klangparameter.