Resumos · História da Cultura e das ArtesPT · Secundário

Módulo Inicial — Criatividade e ruturas: as grandes ruturas culturais e estéticas dos séculos XX e XXI

O Módulo Inicial fixa os conceitos operatórios com que a disciplina trabalha — cultura, arte, obra de arte, criatividade, património — e apresenta a história das artes como um jogo permanente entre continuidade e rutura. Parte do mundo próximo do aluno, os séculos XX e XXI, para mostrar como as vanguardas e a arte contemporânea romperam com séculos de tradição representativa. É a porta de entrada para os dez módulos das «Culturas» e integra o Exame Final Nacional 724.

4 secções~16 min de leitura4 competênciasNível Base 1 · Padrão 2 · Aprofundamento 1

T·0111 / 12

Perfil de exame

Mobilizar os conceitos operatórios da disciplina (cultura, arte, obra de arte, criatividade, património)Distinguir continuidade de rutura numa produção artística e culturalReconhecer as grandes ruturas estéticas dos séculos XX e XXIRefletir sobre o papel do artista e a função social da arte

Operadores:definedistingueexplicarelacionacaracterizaidentificajustifica

nível básico

Dominar os conceitos operatórios e reconhecer que a arte se transforma por continuidades e ruturas, com exemplos dos séculos XX-XXI.

nível avançado

Aprofundamento para o Exame 724: analisar por que as vanguardas romperam com a tradição representativa e situar cada rutura no seu contexto histórico e cultural.

Profundidade

Texto

Conteúdo · 4 secções

Módulo Inicial — Criatividade e ruturas: as grandes ruturas culturais e estéticas dos séculos XX e XXI

Cultura, arte e criatividade: os conceitos operatórios#

BaseAE-hca-modulo-inicial-criatividade-ruturas

A disciplina começa por fixar as ferramentas com que vai pensar: os seus conceitos operatórios. Cultura, em sentido antropológico, é o conjunto de tudo o que um grupo humano cria e transmite — crenças, saberes, técnicas, instituições, valores, modos de viver e de sentir. Não se confunde com a «alta cultura» (a erudição de uns poucos): a maneira de comer, de construir uma casa ou de celebrar uma festa é já cultura. Dentro deste todo, a arte é o domínio específico das produções que procuram um valor estético e expressivo — obras feitas não só para servir, mas para serem vistas, ouvidas, contempladas e interpretadas. A História da Cultura e das Artes estuda, portanto, uma parte privilegiada da cultura: as obras em que cada época fixou a sua sensibilidade (ver Fig. 1).

As áreas da criação artística

Fig. 1Fig. 1 — As grandes áreas artísticas que a disciplina analisa, cada uma com o seu vocabulário próprio.

A obra de arte é o objeto central da disciplina. Pode ser material e durável (um templo, uma estátua, uma pintura) ou imaterial e efémera (uma sinfonia, uma dança, uma peça de teatro, um filme). Toda a obra tem uma dupla natureza: é um objeto sensível, com uma forma concreta que se pode descrever (o mármore de uma escultura, as cores de um quadro, a estrutura de uma fuga), e é um documento histórico, que exprime a visão do mundo, as crenças e as técnicas do tempo e do lugar em que nasceu. Aprender a «ler» uma obra é aprender a articular estas duas dimensões — a forma e o contexto —, que a segunda unidade organizará numa grelha de análise.

A criatividade é a capacidade de gerar algo novo e com valor: uma forma, uma solução, uma linguagem que antes não existia. Na arte, a criatividade não brota do nada — dialoga sempre com uma tradição, que continua, transforma ou contesta. O artista é a figura que exerce essa criatividade; o seu estatuto social mudou radicalmente ao longo da história, do artesão anónimo das catedrais medievais ao génio celebrado do Renascimento, e do mestre ao serviço da corte barroca ao criador independente e provocador das vanguardas do século XX. Estudar as artes é também estudar o lugar que cada sociedade reserva a quem cria.

Duas noções completam o quadro. O património é o legado cultural que uma comunidade reconhece como valioso e decide preservar e transmitir às gerações seguintes; distingue-se em património material (monumentos, obras, sítios) e imaterial (línguas, músicas, saberes, rituais), sendo esta distinção consagrada pela UNESCO. E as indústrias criativas — cinema, design, música, edição, videojogos, moda — mostram que, na cultura contemporânea, a criação artística é também um poderoso setor económico. Estes conceitos operatórios não são definições a decorar: são os óculos com que se olhará, a seguir, para dez momentos maiores da cultura ocidental.

Exemplo resolvido

Classificar produções culturais

Uma catedral gótica, o fado, uma receita de família e um filme são todos «cultura»? Justifica, recorrendo aos conceitos de cultura, obra de arte e património.

Aplicar o conceito de cultura
Em sentido antropológico, os quatro são cultura: todos são criações humanas transmitidas socialmente.
Distinguir a obra de arte
A catedral, o fado e o filme visam um valor estético e expressivo — são obras de arte (nas áreas da arquitetura, da música e do cinema); a receita é cultura, mas não uma obra de arte no sentido estrito.
Aplicar o conceito de património
A catedral é património material; o fado é património imaterial (reconhecido pela UNESCO em 2011); ambos são preservados como legado.

Resultado: Todos são cultura em sentido antropológico; a catedral, o fado e o filme são também obras de arte; a catedral (material) e o fado (imaterial) são património classificado. O caso mostra como os conceitos operatórios permitem classificar com rigor qualquer produção cultural.

Erros frequentes

Reduzir «cultura» à erudição, esquecendo o seu sentido antropológico (tudo o que um grupo cria e transmite).
Confundir património material com imaterial, ou julgar que só os monumentos são património.
Tratar a criatividade como criação a partir do nada, ignorando o diálogo com a tradição.

Revisão ativa

Distingue, com um exemplo de cada, património material e património imaterial, e explica por que ambos são objeto de proteção.

Evocação ativa

Recorda os pontos-chave — depois revela.

Fontes: Aprendizagens Essenciais de História da Cultura e das Artes — Módulo Inicial (Direção-Geral da Educação (DGE))

Continuidade e rutura na história das artes#

PadrãoAE-hca-modulo-inicial-criatividade-ruturas

A história das artes não é uma linha reta de progresso nem uma sucessão de estilos isolados: é um movimento feito de continuidades e de ruturas. Há continuidade quando uma geração recebe, aceita e prolonga a linguagem da anterior, aperfeiçoando-a dentro das mesmas regras — como a escultura grega que, durante gerações, refinou o mesmo ideal de corpo. Há rutura quando um grupo de criadores recusa as convenções herdadas e propõe uma linguagem nova, muitas vezes chocante para os contemporâneos. Compreender uma época artística é sempre perguntar o que ela conserva do passado e o que nela é verdadeiramente novo (ver Fig. 2).

A dinâmica de continuidade e rutura

Fig. 2Fig. 2 — A tradição é contestada pela vanguarda, que propõe uma linguagem nova; esta consolida-se em nova tradição, e o ciclo recomeça.

As duas forças articulam-se numa dinâmica que se repete ao longo da história. Uma tradição consolida-se e torna-se norma; um novo contexto histórico — uma revolução, uma invenção técnica, uma mudança de crenças — abre uma crise; uma vanguarda rompe com a norma e propõe uma linguagem inédita; se essa proposta vinga, torna-se, por sua vez, a nova tradição, que uma geração seguinte voltará a contestar. Foi assim que o Gótico rompeu com o Românico, o Renascimento com o Gótico, o Barroco com o equilíbrio renascentista, e as vanguardas do século XX com toda a tradição representativa. A rutura de hoje é a tradição de amanhã.

É essencial não confundir rutura com ausência de regras ou com mero capricho. Uma rutura artística verdadeira substitui um sistema de convenções por outro: o Cubismo não «desenhou mal», recusou a perspetiva única do Renascimento para propor a representação simultânea de vários pontos de vista. Toda a rutura se explica, além disso, por causas históricas: as vanguardas não surgem por acaso no início do século XX, mas no mundo transformado pela indústria, pela cidade, pela fotografia, pela ciência e pelo trauma da Primeira Guerra Mundial. Analisar uma rutura é sempre relacioná-la com o seu tempo.

Esta chave de leitura — continuidade e rutura — é a que estrutura toda a disciplina e é explicitamente valorizada pelo Exame 724, que pede para «sintetizar a informação atendendo a continuidades, inovações e ruturas». Ao percorrer as dez Culturas, o aluno deverá perguntar, em cada passagem: o que continua da época anterior? O que rompe? E porquê? Dominar esta grelha vale mais do que memorizar datas soltas: é o que transforma uma lista de obras numa história com sentido.

Exemplo resolvido

Identificar continuidade e rutura

Ao comparar uma catedral gótica com uma igreja românica, indica um elemento de continuidade e um de rutura, e aponta uma causa histórica para a mudança.

Continuidade
Ambas são igrejas cristãs de planta em cruz latina, ao serviço da mesma fé e liturgia — o programa religioso mantém-se.
Rutura
O Gótico substitui o muro espesso e o arco de volta perfeita do Românico pelo arco ogival, a abóbada de nervuras e o vitral, tornando o templo alto e luminoso — muda o sistema construtivo e a estética.
Causa histórica
O renascimento das cidades e a nova confiança urbana e teológica (a luz como manifestação do divino) pedem catedrais maiores, mais altas e inundadas de luz.

Resultado: Continuidade no programa (igreja cristã em cruz latina) e rutura na linguagem construtiva (do muro opaco românico à estrutura luminosa gótica), explicada pelo renascimento urbano — um exemplo perfeito da dinâmica continuidade/rutura.

Erros frequentes

Ver a história das artes como progresso linear (cada estilo «melhor» que o anterior).
Confundir rutura com falta de técnica ou de regras, e não com a substituição de um sistema de convenções por outro.
Descrever uma rutura sem a relacionar com o seu contexto histórico.

Revisão ativa

Explica a afirmação «a rutura de hoje é a tradição de amanhã», ilustrando-a com uma passagem de estilo estudada (por exemplo, do Românico ao Gótico).

Evocação ativa

Recorda os pontos-chave — depois revela.

Fontes: Aprendizagens Essenciais de História da Cultura e das Artes — Módulo Inicial (Direção-Geral da Educação (DGE))

As grandes ruturas do início do século XX#

PadrãoAE-hca-modulo-inicial-criatividade-ruturas

No início do século XX concentra-se a maior aceleração de ruturas de toda a história das artes. Em pouco mais de uma geração, sucederam-se movimentos que puseram em causa tudo o que a tradição ocidental dava por adquirido desde o Renascimento: a representação fiel do visível, a perspetiva, a beleza como fim, a distinção entre arte e não-arte. A esses movimentos chama-se vanguardas — do termo militar «vanguarda», a linha que avança à frente —, porque se assumiam como exploradores de um futuro que o resto da sociedade ainda não via (ver Fig. 3). Este módulo apresenta o panorama; a Cultura do Cinema analisá-lo-á em profundidade.

Cronologia das ruturas dos séculos XX e XXI

Fig. 3Fig. 3 — As ruturas dos séculos XX-XXI, das vanguardas históricas à arte contemporânea.

As primeiras ruturas atacaram a cor e a forma. O Fauvismo (1905), com Matisse, libertou a cor de qualquer obrigação de imitar a realidade — céus vermelhos, rostos verdes —, tornando-a pura expressão. O Expressionismo deformou as figuras para exprimir a angústia interior, como já o fizera o precursor Edvard Munch em «O Grito» (1893). E o Cubismo (a partir de 1907, com «Les Demoiselles d'Avignon» de Picasso, e depois Braque) fez a rutura mais radical com a herança renascentista: decompôs os objetos em facetas geométricas e mostrou-os simultaneamente de vários pontos de vista, abandonando a perspetiva única de um observador fixo.

Outras ruturas atacaram a própria ideia de que a arte deve representar algo. O Futurismo italiano (manifesto de Marinetti, 1909) exaltou a máquina, a velocidade e a cidade moderna, procurando pintar o movimento. E, sobretudo, a Abstração deu o passo decisivo: por volta de 1910-1913, Kandinsky pintou obras sem qualquer objeto reconhecível, feitas só de linhas, formas e cores, como uma música visual; Mondrian levaria a abstração a uma ordem geométrica pura de linhas retas e cores primárias. Pela primeira vez, a arte podia não representar nada exterior a si mesma.

Todas estas ruturas partilham uma raiz histórica comum: o mundo tinha mudado demasiado depressa. A fotografia libertara a pintura da tarefa de reproduzir o visível (a máquina fazia-o melhor); a ciência (Freud, Einstein) abalava as certezas sobre a mente e sobre o espaço e o tempo; a indústria e a cidade impunham um ritmo novo; e a Primeira Guerra Mundial (1914-1918) destruiu a fé no progresso e na razão. As vanguardas são a resposta artística a esse abalo: se o mundo já não é estável nem racional, a arte também não tem de o ser.

Exemplo resolvido

Situar uma rutura no seu contexto

Por que razão surgem tantas ruturas artísticas justamente no início do século XX? Aponta três fatores históricos e explica o seu efeito na arte.

A fotografia
Ao reproduzir o visível melhor do que a pintura, liberta esta da função de imitar a realidade — a pintura procura então o que a fotografia não faz (a cor expressiva, a abstração).
A ciência e o pensamento
Freud revela o inconsciente e Einstein relativiza o espaço e o tempo — cai a confiança numa realidade única e estável, e a arte explora a subjetividade e múltiplos pontos de vista.
A cidade e a guerra
A indústria e a metrópole impõem um ritmo novo (exaltado pelo Futurismo); a Primeira Guerra destrói a fé no progresso, gerando a revolta de Dada.

Resultado: As ruturas do início do século XX explicam-se pela convergência da fotografia, da nova ciência e do choque da modernidade urbana e da guerra: um mundo que deixou de ser estável e racional produziu uma arte que abandona a representação estável e racional.

Erros frequentes

Confundir os movimentos entre si (atribuir a decomposição em facetas ao Fauvismo em vez do Cubismo).
Julgar que a arte abstrata «não representa bem», quando o seu objetivo é justamente não representar nada exterior.
Apresentar as vanguardas sem as ligar ao contexto (a fotografia, a guerra, a ciência).

Revisão ativa

Explica por que o Cubismo constitui uma rutura com a tradição renascentista da representação, indicando o que abandona e o que propõe em seu lugar.

Evocação ativa

Recorda os pontos-chave — depois revela.

Fontes: Aprendizagens Essenciais de História da Cultura e das Artes — Módulo Inicial (Direção-Geral da Educação (DGE))

Do pós-guerra ao século XXI: novas ruturas#

AprofundamentoAE-hca-modulo-inicial-criatividade-ruturas

Depois da Segunda Guerra Mundial (1939-1945), o centro da arte deslocou-se da Europa para os Estados Unidos, e as ruturas continuaram, agora sobre um terreno já sem representação. O Expressionismo Abstrato (a partir de c. 1947), com Jackson Pollock, transformou o próprio ato de pintar em obra: a tela estendida no chão, a tinta gotejada em gestos (a «action painting»), fazendo do quadro o registo de uma energia, não de uma imagem. A obra deixou de ser uma janela para o mundo e passou a ser um acontecimento (ver Fig. 4).

Ruturas do pós-guerra ao século XXI

Fig. 4Fig. 4 — A sequência de ruturas da segunda metade do século XX, da desmaterialização da obra à arte digital.

A rutura seguinte veio da direção oposta. A Pop Art (a partir de c. 1962), com Andy Warhol e Roy Lichtenstein, recusou a interioridade do gesto abstrato e trouxe para a arte as imagens da sociedade de consumo: latas de sopa, garrafas de refrigerante, estrelas de cinema, tiras de banda desenhada, repetidas em série como produtos industriais. Ao fazer da imagem comercial matéria de arte, a Pop Art apagou a fronteira entre «alta cultura» e cultura de massas e comentou, com ironia, um mundo saturado de imagens e mercadorias.

As décadas seguintes multiplicaram ruturas que desmaterializaram a obra. O Minimalismo reduziu a arte a formas geométricas puras e industriais; a Arte Conceptual afirmou que a ideia é a obra, podendo o objeto até desaparecer; e novas práticas — a instalação (que ocupa e transforma um espaço), a performance (em que o corpo do artista é o meio), a videoarte (inaugurada por Nam June Paik nos anos 1960) e a land art — abandonaram o quadro e a estátua tradicionais. A obra tornou-se experiência, tempo e lugar, e não apenas objeto.

No século XXI, a rutura maior é tecnológica e global. A imagem digital, a internet e as redes tornaram a criação e a circulação da arte instantâneas e planetárias; surgem a arte digital, a net art, a arte generativa e, mais recentemente, obras produzidas com inteligência artificial. Ao mesmo tempo, a globalização abriu o cânone ocidental a artistas de todo o mundo e a novas identidades. Esta última fronteira — o Espaço Virtual — será o tema do décimo e último módulo. O Módulo Inicial mostra, assim, o fim da história antes de contar o princípio: percorridas as ruturas recentes, o aluno está pronto para regressar à Ágora grega e seguir, daí, todo o caminho.

Exemplo resolvido

Explicar a desmaterialização da obra

Afirma-se que, na arte contemporânea, «a obra deixou de ser um objeto». Explica esta ideia com dois exemplos de práticas artísticas.

Partir da arte tradicional
Durante séculos, a obra foi um objeto durável e único: a estátua, o quadro, o edifício, que se possui e se conserva.
Exemplo 1 — a performance
Na performance, o meio é o corpo do artista numa ação que decorre no tempo e termina: não fica um objeto, mas uma experiência (registada em fotografia ou vídeo).
Exemplo 2 — a arte conceptual/instalação
Na arte conceptual, a ideia é a obra; numa instalação, a obra é um espaço montado que se percorre e depois se desmonta — o valor está na experiência e no conceito, não num objeto permanente.

Resultado: Na performance e na arte conceptual/instalação, a obra deixa de ser um objeto durável para se tornar ação, ideia, espaço ou experiência no tempo — a desmaterialização que caracteriza boa parte da rutura contemporânea.

Erros frequentes

Confundir Expressionismo Abstrato (gesto, interioridade) com Pop Art (imagem de consumo, impessoalidade).
Julgar que a arte contemporânea «é tudo igual», sem distinguir os seus movimentos e propostas.
Reduzir a arte do século XXI à tecnologia, esquecendo a dimensão global e identitária.

Revisão ativa

Compara a rutura da Pop Art com a do Expressionismo Abstrato quanto ao tema e à relação com a sociedade de consumo.

Evocação ativa

Recorda os pontos-chave — depois revela.

Fontes: Aprendizagens Essenciais de História da Cultura e das Artes — Módulo Inicial (Direção-Geral da Educação (DGE))

Referências e fontes

Fontes

Direção-Geral da Educação (DGE)

Aprendizagens Essenciais de História da Cultura e das Artes — Módulo Inicial

Módulo Inicial — Criatividade e ruturas: as grandes ruturas culturais e estéticas dos séculos XX e XXI

4 secções~16 min de leitura4 competênciasNível Base 1 · Padrão 2 · Aprofundamento 1

Módulo Inicial — Criatividade e ruturas: as grandes ruturas culturais e estéticas dos séculos XX e XXI

Pontos-chave

Classificar produções culturais

Pontos-chave

Identificar continuidade e rutura

Pontos-chave

Situar uma rutura no seu contexto

Pontos-chave

Explicar a desmaterialização da obra

Fontes

Módulo Inicial — Criatividade e ruturas: as grandes ruturas culturais e estéticas dos séculos XX e XXI

Pontos-chave

Classificar produções culturais

Pontos-chave

Identificar continuidade e rutura

Pontos-chave

Situar uma rutura no seu contexto

Pontos-chave

Explicar a desmaterialização da obra

Fontes