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Influencias, continuidades y rupturas

La Historia del Arte no es una sucesión de compartimentos estancos, sino una red de préstamos, pervivencias y rebeliones: cada estilo dialoga con los anteriores para imitarlos, reinterpretarlos o negarlos. Este tema —del Bloque A.5 del currículo LOMLOE— enseña a manejar los conceptos de estilo y movimiento artístico y a explicar los mecanismos que rigen la evolución del arte (continuidad, influencia, préstamo y ruptura), con el artista-genio como motor. En la Selectividad / PAU se evalúa sobre todo mediante el análisis comparativo de obras de distintas épocas y la justificación argumentada de sus relaciones.

5seccionesca. 23min de lectura4competenciasNivelBásico 1 · Estándar 2 · Profundización 2Revisado · 06/2026

T·0444 / 12

Perfil de examen

HAR.2.4 · Identificar y caracterizar los principales movimientos artísticos a lo largo de la historia, reconociendo las relaciones de influencia, préstamo, continuidad y ruptura que se producen entre ellos, para comprender los mecanismos que rigen la evolución de la Historia del Arte.HAR.2.4.1 · Identificar los rasgos formales que constituyen la base expresiva de los principales movimientos artísticos, a fin de definir el concepto de estilo.HAR.2.4.3 · Reconocer los mecanismos que rigen la evolución de la Historia del Arte a partir del análisis comparativo de obras de diversas épocas y de la explicación de las relaciones de influencia, préstamo, continuidad y ruptura.HAR.2.4.4 · Especificar la intervención del artista como motor principal de dichos mecanismos de evolución (categoría histórica de genio).

Operadores:analizaexplicacompararelacionajustificainterpretacomentarazonacaracteriza

nivel básico

Como materia de modalidad, Historia del Arte exige dominar con precisión el concepto de estilo y los cuatro mecanismos de evolución (continuidad, influencia, préstamo y ruptura) y saber aplicarlos a obras concretas del temario.

nivel avanzado

La profundización consiste en sostener un análisis comparativo argumentado entre obras de distintas épocas, matizando cuándo una relación es pervivencia, cita reinterpretadora o ruptura radical, y valorando críticamente la categoría de genio sin caer en el mito romántico.

Profundidad

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Inhalt · 5 secciones

Influencias, continuidades y rupturas

Concepto de estilo y de movimiento artístico#

BasisBOE-A-2022-5521 · Anexo II · Historia del Arte · Bloque A.5 · HAR.2.4.1

Estilo y movimiento: las tres escalas del estilo y la diferencia con el movimiento

Antes de poder hablar de influencias o rupturas hay que fijar dos herramientas conceptuales básicas: el estilo y el movimiento. El estilo es el conjunto coherente de rasgos formales —composición, línea, color, luz, tratamiento del espacio, relación entre vano y muro en arquitectura, canon de la figura— que comparten las obras de un mismo periodo, lugar o autor y que las hacen reconocibles. Definir un estilo (competencia HAR.2.4.1) consiste precisamente en identificar esa «base expresiva» recurrente: por ejemplo, el clasicismo griego se reconoce por la búsqueda del equilibrio, la proporción matemática y el canon idealizado del cuerpo, mientras que el Barroco se reconoce por el dinamismo, el claroscuro, la diagonal y el efecto teatral.

Conviene distinguir tres escalas del término «estilo». El estilo de época o periodo (Románico, Gótico, Renacimiento) agrupa la producción de varios siglos y territorios; el estilo de escuela o regional (la escuela veneciana frente a la florentina, ambas renacentistas) matiza esa unidad; y el estilo personal es la huella individual e intransferible de un artista (la pincelada de Velázquez, la pasta densa de Van Gogh). Un buen comentario sabe situar la obra en las tres escalas sin confundirlas.

El movimiento artístico añade un componente histórico y, a menudo, consciente y programático que el simple «estilo» no implica. Sobre todo desde el siglo XIX y en las vanguardias, los movimientos (Impresionismo, Cubismo, Surrealismo) son grupos de artistas que comparten un proyecto estético, suelen tener fechas de nacimiento, líderes, exposiciones fundacionales y, con frecuencia, manifiestos teóricos que declaran sus intenciones. La Fig. 2 contrasta los rasgos formales de tres estilos para mostrar cómo el cambio de forma es el síntoma del cambio de mentalidad.

Comparativa de rasgos formales: clasicismo, Barroco y Cubismo

La diferencia operativa es clara y se pregunta en la PAU: «estilo» nombra un sistema de formas reconocible (puede ser anónimo y abarcar siglos: nadie firmó un «manifiesto románico»), mientras que «movimiento» nombra una agrupación histórica con voluntad de cambio, normalmente moderna y autoconsciente. Todo movimiento posee un estilo, pero no todo estilo procede de un movimiento. Manejar bien esta pareja conceptual es el cimiento sobre el que se explican después la continuidad, la influencia, el préstamo y la ruptura.

Ejemplo resuelto

Definir el estilo de una obra a partir de sus rasgos formales

Ante una obra de planta de cruz griega, cúpula sobre pechinas, columnas de orden clásico y una composición perfectamente simétrica, justifica a qué estilo de época pertenece y define ese estilo enumerando sus rasgos.

Inventariar los rasgos formales
La planta centralizada (cruz griega), la cúpula, las pechinas y los órdenes clásicos son elementos de raíz grecorromana recuperados; la simetría y la proporción dominan la composición.
Relacionar forma y mentalidad
Esa búsqueda de equilibrio, proporción y referencia a la Antigüedad es propia de una mentalidad humanista que admira el ideal clásico de belleza, no de la mentalidad teocéntrica medieval.
Adscribir al estilo de época
El conjunto de rasgos (recuperación de lo clásico + razón matemática + centralidad) define el estilo del Renacimiento, situado en la escala de estilo de época.
Precisar la escala
Si además identificáramos la escuela (florentina, romana) o el autor (Bramante, Brunelleschi), descenderíamos a las escalas de escuela y personal.

Resultado: La obra se adscribe al Renacimiento, estilo de época definido por la recuperación de los órdenes y la planta centralizada clásicos, la simetría, la proporción matemática y un canon idealizado de la belleza heredado de la Antigüedad.

Errores frecuentes

Usar «estilo» y «movimiento» como sinónimos intercambiables: el Románico es un estilo de época anónimo, no un «movimiento» con manifiesto como el Futurismo.
Reducir el estilo a la cronología («es del siglo XVII, luego es barroco») sin justificar la adscripción mediante rasgos formales analizados en la propia obra.

Repaso activo

Elige dos obras del temario claramente distintas (por ejemplo, el Partenón y la fachada de una iglesia barroca). Define el estilo de cada una enumerando al menos cuatro rasgos formales y explica en qué escala (de época, de escuela o personal) operas en cada caso.

Recuerdo activo

Recuerda los puntos clave — luego revela.

Fuentes: Real Decreto 243/2022 — enseñanzas mínimas del Bachillerato (saberes básicos, Anexo II) (Gobierno de España — Boletín Oficial del Estado (BOE))

Continuidades: la pervivencia de lo clásico#

StandardBOE-A-2022-5521 · Anexo II · Historia del Arte · Bloque A.5 · HAR.2.4 / HAR.2.4.3

La continuidad es el primero de los mecanismos de evolución: la persistencia de formas, modelos y valores estéticos de un periodo en los siguientes. El caso paradigmático del temario es la pervivencia de lo clásico, una corriente subterránea que recorre toda la Historia del Arte occidental. Lo griego se transmite a Roma, que lo adapta y difunde por el Mediterráneo; reaparece con fuerza en el Renacimiento, que lo declara modelo absoluto; se codifica en la Academia barroca y resurge depurado en el Neoclasicismo del siglo XVIII. La Fig. 3 traza esa cadena de pervivencias con sus eslabones principales.

La pervivencia de lo clásico: cadena de continuidades de Grecia al Neoclasicismo

El motor de esta continuidad es doble: por un lado, la autoridad cultural de la Antigüedad como ideal de orden, proporción y belleza; por otro, la transmisión material y teórica de modelos —los órdenes arquitectónicos (dórico, jónico, corintio), el canon de Policleto, el tratado de Vitruto recuperado en el Renacimiento, los grabados que difundían las ruinas. Roma, por ejemplo, hereda de Grecia los órdenes y el repertorio escultórico, pero los integra en una arquitectura propia que añade el arco, la bóveda y el hormigón: la continuidad casi nunca es copia literal, sino reelaboración.

Distinguir continuidad de revival es clave para la PAU. La continuidad es una transmisión más o menos ininterrumpida (lo clásico nunca desaparece del todo entre Roma y el Renacimiento, pervive en lo bizantino y en lo medieval). El revival o renacer historicista es una recuperación consciente de un estilo del pasado tras un periodo de abandono, típica del siglo XIX: el Neogótico, el Neorrománico o el Neomudéjar resucitan estilos medievales con voluntad arqueológica o evocadora. Cuando varios revivals conviven y se mezclan en un mismo edificio se habla de eclecticismo (Fig. 4), rasgo característico de la arquitectura decimonónica.

Continuidad, revival y eclecticismo en el siglo XIX

El Neoclasicismo ilustra a la perfección el matiz: no es una mera continuidad de Roma, sino un revival —un retorno deliberado a la pureza grecorromana— impulsado por los descubrimientos arqueológicos de Pompeya y Herculano y por la teoría de Winckelmann, que proclamó la «noble sencillez y serena grandeza» del arte griego frente a los excesos del Barroco y el Rococó. Saber decir si una obra continúa, recupera o cita lo clásico es exactamente lo que evalúa la competencia HAR.2.4.3 mediante el análisis comparativo.

Ejemplo resuelto

Distinguir continuidad y revival en una columnata con frontón

Un edificio decimonónico presenta un pórtico de columnas corintias rematado por un frontón triangular, imitando un templo griego. Explica qué mecanismo de evolución artística está operando y diferéncialo de la continuidad clásica.

Identificar el préstamo formal
El pórtico hexástilo, las columnas corintias y el frontón triangular son elementos tomados directamente del repertorio del templo grecorromano.
Datar y contextualizar
Al tratarse de un edificio del siglo XIX que recupera deliberadamente un lenguaje muy anterior, no estamos ante una transmisión ininterrumpida, sino ante una recuperación consciente.
Nombrar el mecanismo
Se trata de un revival neoclásico/historicista: el arquitecto resucita el lenguaje antiguo con voluntad culta y evocadora, no porque ese estilo nunca se hubiera dejado de practicar.
Contrastar con la continuidad
La continuidad sería el caso de Roma heredando los órdenes griegos sin solución de continuidad; aquí, en cambio, hay un retorno tras siglos de otros lenguajes (Gótico, Barroco), de ahí que sea revival.

Resultado: El edificio es un ejemplo de revival neoclásico: una recuperación consciente del lenguaje clásico en el siglo XIX, que se diferencia de la continuidad porque media un abandono previo del modelo y existe una voluntad deliberada y culta de resucitarlo.

Errores frecuentes

Confundir continuidad con copia idéntica: Roma no «copia» Grecia, la reinterpreta añadiendo arco, bóveda y hormigón; el Renacimiento no calca la Antigüedad, la actualiza.
Llamar «clásica» a una obra neoclásica o renacentista sin precisar que se trata de una recuperación posterior (revival/pervivencia), no de la Antigüedad original.

Repaso activo

Selecciona un templo griego, un edificio romano y una obra neoclásica del temario. Explica qué elemento clásico pervive en cada paso (orden, frontón, planta, columnata) y razona en qué casos hablarías de continuidad y en cuáles de revival.

Recuerdo activo

Recuerda los puntos clave — luego revela.

Fuentes: Currículo de Bachillerato (LOMLOE) — materias y saberes básicos (Ministerio de Educación, Formación Profesional y Deportes — educagob)

Influencias y préstamos entre culturas y épocas#

StandardBOE-A-2022-5521 · Anexo II · Historia del Arte · Bloque A.5 · HAR.2.4 / HAR.2.4.3

Junto a la continuidad interna de una tradición, el arte evoluciona por influencia y préstamo: el contacto entre culturas, épocas y disciplinas distintas que aporta formas, motivos o conceptos nuevos. Conviene matizar los términos. La influencia es un ascendiente general y difuso (el clima estético de una época que impregna a los artistas); el préstamo es la toma concreta de un elemento identificable (una composición, un motivo ornamental, un tipo de figura). La Fig. 5 organiza con flechas los grandes flujos de influencia que entran en el arte europeo.

Mapa de influencias y préstamos en el arte europeo moderno

Dos casos del temario son obligados. El japonismo: la apertura de Japón a Occidente (mediados del siglo XIX) inundó Europa de estampas ukiyo-e cuyas composiciones asimétricas, encuadres cortados, colores planos y ausencia de claroscuro influyeron decisivamente en el Impresionismo y el Postimpresionismo (Degas, Toulouse-Lautrec, Van Gogh, que llegó a copiar estampas de Hiroshige). El segundo caso es el arte africano y oceánico: las máscaras y esculturas «primitivas», admiradas por su síntesis y su fuerza expresiva, fueron decisivas para que Picasso geometrizara los rostros de Las señoritas de Aviñón (1907) y abriera la puerta al Cubismo.

El préstamo no se limita a culturas lejanas: también es intertemporal y entre disciplinas. El Renacimiento toma prestada de la Antigüedad la temática mitológica y el desnudo heroico; el Romanticismo se nutre de lo medieval y lo exótico; la fotografía influyó en la pintura impresionista (encuadre instantáneo, recorte) y, a su vez, la pintura influyó en el lenguaje visual del cine. El préstamo es un motor poderoso porque permite a un artista renovar su lenguaje incorporando lo que estaba fuera de su tradición.

Para la PAU, el análisis comparativo (HAR.2.4.3) debe ir más allá de constatar el parecido: hay que explicar la dirección del flujo (quién influye en quién, con qué cronología) y, sobre todo, la transformación que sufre lo prestado al integrarse en un contexto nuevo. Picasso no «copia» una máscara africana: extrae de ella un principio de simplificación geométrica y lo pone al servicio de un problema occidental (la representación del volumen sin perspectiva ilusionista). Reconocer ese trasvase reinterpretador es la clave de un buen comentario.

Ejemplo resuelto

Analizar el préstamo del arte africano en el Cubismo

Explica por qué se afirma que el arte africano influyó en el nacimiento del Cubismo, distinguiendo influencia, préstamo y reinterpretación a partir de la obra de Picasso hacia 1907.

Situar el contacto
En el París de comienzos del siglo XX, el coleccionismo colonial puso a la vista de los artistas máscaras y esculturas africanas, admiradas por su síntesis formal y su fuerza expresiva.
Identificar el préstamo
Picasso toma de ellas un elemento concreto: la simplificación geométrica del rostro, sustituyendo el modelado naturalista por planos angulosos, visible en las figuras de la derecha de Las señoritas de Aviñón (1907).
Explicar la reinterpretación
No copia las máscaras: extrae un principio (representar el volumen mediante planos, sin claroscuro ni perspectiva ilusionista) y lo aplica a un problema propio de la tradición occidental.
Nombrar el resultado evolutivo
Ese préstamo reinterpretado es uno de los detonantes del Cubismo, que descompondrá los objetos en facetas y los mostrará desde varios puntos de vista simultáneos: una influencia que desemboca en ruptura.

Resultado: El arte africano influye en Picasso aportando un préstamo formal —la geometrización sintética del rostro— que él reinterpreta como un nuevo modo de representar el volumen, abriendo el camino del Cubismo: el ejemplo muestra cómo influencia, préstamo y reinterpretación encadenan la evolución del arte.

Errores frecuentes

Quedarse en el «se parece a» sin explicar la dirección del flujo ni la cronología (quién influye en quién y por qué fue posible el contacto).
Interpretar el préstamo como plagio o copia pasiva, ignorando la reinterpretación: Picasso no reproduce una máscara, extrae de ella un principio formal y lo reutiliza con fines propios.

Repaso activo

Toma una estampa japonesa ukiyo-e y un cuadro impresionista o postimpresionista del temario. Identifica al menos tres rasgos formales prestados (encuadre, color plano, asimetría) y explica cómo se transforman al integrarse en la pintura europea.

Recuerdo activo

Recuerda los puntos clave — luego revela.

Fuentes: Real Decreto 243/2022 — enseñanzas mínimas del Bachillerato (saberes básicos, Anexo II) (Gobierno de España — Boletín Oficial del Estado (BOE))

Rupturas: vanguardia y reinvención del lenguaje#

VertiefungBOE-A-2022-5521 · Anexo II · Historia del Arte · Bloque A.5 · HAR.2.4 / HAR.2.4.3

Frente a la continuidad y al préstamo, la ruptura es el mecanismo que rompe deliberadamente con la tradición precedente y reinventa el lenguaje artístico. Es el rasgo definitorio de la vanguardia del siglo XX: un arte que ya no quiere imitar la realidad ni perpetuar el canon, sino crear formas nuevas y, a menudo, provocar. La Fig. 6 enfrenta el paradigma tradicional con el de las vanguardias para visualizar qué se quiebra en cada caso.

Paradigma tradicional frente a paradigma de vanguardia: qué rompe cada uno

Las rupturas se encadenan con rapidez y cada una niega un pilar distinto del arte académico. El Impresionismo rompe con el acabado liso y el tema histórico, y saca la pintura al aire libre persiguiendo la luz y el instante. El Cubismo (Picasso, Braque) rompe con la perspectiva lineal renacentista vigente desde el siglo XV, descomponiendo el objeto en facetas y mostrándolo desde varios puntos de vista a la vez. La abstracción (Kandinsky, Mondrian) rompe con la figuración misma: la obra ya no representa nada del mundo visible y se justifica por sus propios valores de forma y color. El Dadaísmo, con el ready-made de Duchamp, rompe con la idea de obra como objeto hecho a mano y bello, y traslada el arte al terreno de la idea y la elección del artista.

La ruptura, sin embargo, raramente es absoluta: casi siempre conserva un hilo con lo que niega. El Cubismo destruye la perspectiva pero mantiene los géneros tradicionales (retrato, bodegón); incluso la vanguardia más radical dialoga con la tradición que ataca. Por eso, en el arte posterior a las vanguardias —el posmodernismo de finales del siglo XX— la relación con el pasado cambia de signo: ya no se trata de romper, sino de citar, apropiarse e ironizar. La cita y la apropiación reutilizan obras del pasado con distancia irónica o crítica, mezclando estilos sin jerarquía (Fig. 7): la historia del arte entera se vuelve un repertorio disponible.

De la ruptura vanguardista a la cita posmoderna

Conviene no confundir la ruptura con la simple novedad. Toda obra nueva aporta algo, pero solo hay ruptura cuando se niega conscientemente un principio fundamental del lenguaje anterior (la mímesis, la perspectiva, la figuración, la factura manual, la propia categoría de arte). Saber identificar qué principio concreto quiebra cada vanguardia es justo lo que pide la competencia HAR.2.4.3, y es la diferencia entre describir y comprender la evolución del arte.

Ejemplo resuelto

Justificar la ruptura cubista frente a la perspectiva renacentista

Explica en qué consiste la ruptura que introduce el Cubismo respecto del sistema de representación vigente desde el Renacimiento y matiza qué conserva de la tradición.

Recordar el principio que se rompe
Desde Brunelleschi y el siglo XV, la pintura occidental representa el espacio mediante la perspectiva lineal: un único punto de vista fijo y un punto de fuga que crean la ilusión de profundidad.
Describir la innovación cubista
El Cubismo abandona ese punto de vista único: descompone el objeto en facetas geométricas y lo muestra simultáneamente desde varios ángulos, renunciando a la ilusión ilusionista de profundidad.
Calificar el cambio como ruptura
No es una variación de estilo dentro del mismo sistema, sino la negación consciente de un pilar (la perspectiva monocular) que había regido cuatro siglos: por eso es una ruptura, no una mera novedad.
Matizar lo que pervive
Pese a todo, el Cubismo conserva los géneros tradicionales (retrato, bodegón) y sigue partiendo de objetos reconocibles, lo que demuestra que incluso la ruptura mantiene hilos con lo que niega.

Resultado: El Cubismo rompe con la perspectiva lineal renacentista al sustituir el punto de vista único por la visión simultánea y la descomposición en facetas; es una ruptura porque niega un principio fundamental del lenguaje anterior, aunque conserva los géneros tradicionales, prueba de que la ruptura casi nunca es absoluta.

Errores frecuentes

Llamar «ruptura» a cualquier novedad: solo hay ruptura cuando se niega conscientemente un principio fundamental del lenguaje anterior, no por el mero hecho de ser distinto.
Presentar las vanguardias como un bloque homogéneo: cada una quiebra un pilar diferente, y confundir Cubismo con abstracción o Dadaísmo con Surrealismo es un error frecuente.

Repaso activo

Escoge una obra cubista y una obra abstracta del temario. Para cada una, explica qué principio del arte académico rompe y razona en qué medida conserva, pese a todo, algún vínculo con la tradición que niega.

Recuerdo activo

Recuerda los puntos clave — luego revela.

Fuentes: Real Decreto 243/2022 — enseñanzas mínimas del Bachillerato (saberes básicos, Anexo II) (Gobierno de España — Boletín Oficial del Estado (BOE))

El artista como motor de la evolución: la categoría de genio#

VertiefungBOE-A-2022-5521 · Anexo II · Historia del Arte · Bloque A.5 · HAR.2.4.4

Los mecanismos de evolución no operan solos: necesitan un agente que los ponga en marcha, y ese agente es el artista. La competencia HAR.2.4.4 pide especificar su intervención como «motor principal» de la evolución y, con ella, la categoría histórica de genio: la idea de un individuo dotado de una capacidad creadora excepcional, capaz de generar lo nuevo y de marcar el rumbo del arte. La Fig. 8 traza cómo evoluciona la propia consideración del artista —y, con ella, la idea de genio— a lo largo de la historia.

Evolución de la consideración del artista y de la idea de genio

Esa consideración no ha sido siempre la misma, y entender su cambio es entender la propia idea de evolución artística. En la Antigüedad y la Edad Media el artista es ante todo un artesano, un miembro de un gremio que ejecuta un encargo según una función (religiosa, propagandística) y que a menudo permanece anónimo: la obra importa más que su autor. El Renacimiento opera el gran giro: el artista asciende a la categoría de creador intelectual, equiparable al poeta o al filósofo; figuras como Leonardo o Miguel Ángel son admiradas como genios, firman sus obras y gozan de fama y prestigio social.

El Romanticismo del siglo XIX exalta hasta el extremo la figura del genio: el artista se concibe como un ser único, inspirado, rebelde e incomprendido, cuya subjetividad es la fuente misma de la obra. Esta idea, llevada al siglo XX, sustenta el mito del artista de vanguardia que rompe con todo y abre caminos. La noción de genio es, por tanto, el resorte que explica las grandes rupturas: hace falta un individuo excepcional —un Giotto, un Caravaggio, un Picasso, un Duchamp— que se atreva a negar la norma y a proponer un lenguaje nuevo que los demás seguirán.

Conviene, no obstante, mirar la categoría de genio con sentido crítico, como exige una materia de modalidad. La historiografía actual matiza el mito romántico del genio solitario: la creación es también un proceso colectivo y contextual (talleres, encargos, mecenas, condiciones sociales) y la perspectiva de género (competencia transversal HAR.2.8) ha mostrado cómo la noción de genio sirvió para invisibilizar a las mujeres artistas. El artista sigue siendo el motor de la evolución, pero ese motor funciona dentro de un contexto histórico que lo posibilita: el genio no crea de la nada, sino sobre las influencias, continuidades y rupturas estudiadas en este tema.

Ejemplo resuelto

Explicar al artista como motor de la evolución y valorar críticamente el genio

A partir de la evolución de la consideración del artista, explica por qué se le considera el motor principal de la evolución artística y añade una valoración crítica de la categoría de genio.

Partir del cambio de estatus
El artista pasa de artesano anónimo medieval, sometido al encargo y al gremio, a creador intelectual reconocido en el Renacimiento, que firma y goza de fama.
Llegar a la idea de genio
El Romanticismo lleva esa valoración al extremo: el genio es un individuo único e inspirado cuya subjetividad origina la obra; esta idea sostiene al artista de vanguardia que rompe con la norma.
Justificar el papel de motor
Las grandes rupturas requieren un individuo excepcional que se atreva a negar la tradición y proponer un lenguaje nuevo que otros seguirán: Giotto, Caravaggio, Picasso o Duchamp actúan así como motores de la evolución.
Matizar críticamente
Pero el genio no crea de la nada: trabaja sobre influencias, continuidades y rupturas previas y dentro de un contexto (taller, mecenazgo, sociedad); además, el mito del genio solitario invisibilizó a las mujeres artistas.

Resultado: El artista es el motor de la evolución porque solo un individuo capaz de negar la norma y proponer lo nuevo desencadena las rupturas; la categoría de genio, nacida en el Renacimiento y exaltada en el Romanticismo, explica ese papel, pero debe valorarse críticamente como construcción histórica, contextual y sesgada por el género.

Errores frecuentes

Dar por universal y atemporal la idea de genio: en la Antigüedad y la Edad Media el artista era un artesano anónimo; el «genio» es una construcción histórica que culmina en el Romanticismo.
Aceptar acríticamente el mito del genio solitario, olvidando el peso del taller, el mecenazgo, el contexto social y el sesgo de género que esa categoría arrastra.

Repaso activo

Compara la figura del artista en una obra medieval anónima y en una obra firmada del Renacimiento o del Romanticismo. Explica cómo cambia la consideración del artista y razona en qué sentido el genio actúa como motor de la evolución artística, añadiendo una valoración crítica de esa categoría.

Recuerdo activo

Recuerda los puntos clave — luego revela.

Fuentes: Currículo de Bachillerato (LOMLOE) — materias y saberes básicos (Ministerio de Educación, Formación Profesional y Deportes — educagob)

Referencias y fuentes

Fuentes

Gobierno de España — Boletín Oficial del Estado (BOE)

Real Decreto 243/2022 — enseñanzas mínimas del Bachillerato (saberes básicos, Anexo II)

Ministerio de Educación, Formación Profesional y Deportes — educagob

Currículo de Bachillerato (LOMLOE) — materias y saberes básicos

Influencias, continuidades y rupturas

Puntos clave

Definir el estilo de una obra a partir de sus rasgos formales

Puntos clave

Distinguir continuidad y revival en una columnata con frontón

Puntos clave

Analizar el préstamo del arte africano en el Cubismo

Puntos clave

Justificar la ruptura cubista frente a la perspectiva renacentista

Puntos clave

Explicar al artista como motor de la evolución y valorar críticamente el genio

Fuentes

Influencias, continuidades y rupturas

Puntos clave

Definir el estilo de una obra a partir de sus rasgos formales

Puntos clave

Distinguir continuidad y revival en una columnata con frontón

Puntos clave

Analizar el préstamo del arte africano en el Cubismo

Puntos clave

Justificar la ruptura cubista frente a la perspectiva renacentista

Puntos clave

Explicar al artista como motor de la evolución y valorar críticamente el genio

Fuentes