Arte, crítica y transformación social

Apuntes · Historia del ArteES · Selectividad

Este tema estudia una de las grandes funciones del arte: su papel como medio de progreso, crítica y transformación sociocultural y como idioma de los sentimientos y las emociones, desde el pensamiento ilustrado hasta la actualidad. Recorre el Neoclasicismo, el Romanticismo y el Realismo, la figura clave de Goya como artista de transición y crítica, la denuncia antibélica de « El Guernica » de Picasso, y el arte urbano, la fotografía y el cine como medios contemporáneos de testimonio y compromiso. Pertenece a los bloques B.6 y B.7 del currículo de Historia del Arte de 2.º de Bachillerato (LOMLOE) y desarrolla las competencias HAR.2.3 (funciones y dimensiones del arte) y HAR.2.4 (movimientos artísticos: influencia, continuidad y ruptura). Es contenido plenamente evaluable en la Selectividad / PAU, tanto en el análisis funcional de obras concretas como en la comparación entre la razón neoclásica y el sentimiento romántico o entre la crítica de Goya y la de Picasso.

5seccionesca. 26min de lectura3competenciasNivelEstándar 3 · Profundización 2Revisado · 06/2026

T·0888 / 12

Perfil de examen

HAR.2.3 · Distinguir las distintas funciones del arte a lo largo de la historia, analizando la dimensión religiosa, ideológica, política, social, económica, expresiva y propiamente estética de la obra de arte.HAR.2.3.1 · Distinguir y analizar las funciones y dimensiones de las obras de arte, demostrando una comprensión y un juicio crítico fundamentado.HAR.2.4 · Identificar y caracterizar los principales movimientos artísticos a lo largo de la historia, reconociendo las relaciones de influencia, préstamo, continuidad y ruptura que se producen entre ellos, para comprender los mecanismos que rigen la evolución de la Historia del Arte.

Operadores:analizaexplicainterpretacomentarelacionajustificarazonalocalizacontrasta

nivel básico

El nivel exigible consiste en reconocer las funciones de progreso, crítica y expresión emocional en las obras canónicas (David, Friedrich, Goya, Courbet, Picasso) y explicar cómo el contexto histórico (Ilustración, Revoluciones, guerras del siglo XX) condiciona forma y mensaje.

nivel avanzado

La profundización de modalidad pide razonar las relaciones de continuidad y ruptura entre Neoclasicismo, Romanticismo, Realismo y vanguardia, jerarquizar la dimensión crítica frente a la estética y comparar el arte de denuncia de Goya con el de Picasso con vocabulario específico y juicio fundamentado.

Profundidad

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Inhalt · 5 secciones

Arte, crítica y transformación social

Ilustración y Neoclasicismo: el arte como razón y progreso#

StandardBOE-A-2022-5521 · Anexo II · Historia del Arte · Bloque B.6 · HAR.2.3 / HAR.2.4

Del Rococó al Neoclasicismo: el arte se pone al servicio de la razón

A finales del siglo XVIII, el pensamiento ilustrado convierte el arte en un instrumento al servicio de la razón, la virtud y el progreso. La Ilustración confía en la razón, la educación y la ciencia para mejorar la sociedad, y el Neoclasicismo es su traducción artística: un arte que pretende enseñar, edificar moralmente y difundir los valores cívicos. Esta es la idea de partida del saber básico B.6 del currículo —el arte como medio de progreso, crítica y transformación sociocultural desde el pensamiento ilustrado—, que abre toda una nueva familia de funciones: ya no la fe medieval ni el puro prestigio cortesano, sino la transformación racional de la sociedad.

El Neoclasicismo (h. 1760-1820) recupera el lenguaje de la Antigüedad clásica —orden, equilibrio, líneas claras, contención emocional— como sinónimo de razón y de moral. Este retorno a lo clásico no es casual: lo impulsan el redescubrimiento arqueológico de Pompeya y Herculano y la teoría de Winckelmann, que ve en el arte griego « una noble sencillez y una serena grandeza ». Frente a la sensualidad y el exceso del Rococó precedente, el Neoclasicismo propone sobriedad, dibujo nítido sobre el color, composiciones serenas y temas históricos y morales que sirvan de ejemplo de virtud cívica (Fig. 2).

La composición racional de « El juramento de los Horacios »

La gran figura es Jacques-Louis David, pintor de la Revolución francesa, cuya obra muestra el arte puesto al servicio de un proyecto político y moral. En « El juramento de los Horacios » (1784) la severa geometría —tres grupos, arcos de medio punto, gesto unánime hacia las espadas— exalta el sacrificio por la patria como deber cívico. En « La muerte de Marat » (1793) David convierte el asesinato de un líder revolucionario en una imagen sobria y conmovedora, una especie de « pietà laica » que sacraliza al héroe republicano: el arte se hace propaganda de la causa y, a la vez, lección de virtud. Aquí la dimensión política e ideológica ordena la estética, ejemplo claro para la competencia HAR.2.3.

Conviene situar este apartado en la lógica de continuidad y ruptura que pide HAR.2.4. El Neoclasicismo es una continuidad —un revival de lo clásico, como antes lo había sido el Renacimiento— pero con una función nueva: ya no celebra a un príncipe ni a la Iglesia, sino que educa al ciudadano y acompaña un cambio social revolucionario. Por eso este momento inaugura el arte moderno como agente de transformación: por primera vez de manera sistemática, el artista se siente partícipe del debate público y pone su obra al servicio del progreso, la crítica y la regeneración de la sociedad.

Ejemplo resuelto

Comentario de « La muerte de Marat » de David

A partir de « La muerte de Marat » (1793) de Jacques-Louis David, explica cómo el Neoclasicismo pone el arte al servicio de la razón y del progreso revolucionario, y justifica con dos rasgos formales esa función política y moral (cuestión tipo Selectividad).

Identificación
Pintura neoclásica de J.-L. David (1793), pintor de la Revolución francesa. Representa a Marat, líder revolucionario, asesinado en su bañera mientras escribía.
Función
Función política e ideológica: la obra convierte a Marat en mártir de la República y modelo de virtud cívica; el arte sirve a la causa revolucionaria y a la educación moral del ciudadano.
Rasgo 1 — sobriedad neoclásica
El fondo casi vacío, la luz contenida y la ausencia de adornos concentran la atención en el héroe: la sobriedad racional refuerza la solemnidad y la lección moral.
Rasgo 2 — idealización serena
El cuerpo se idealiza con calma clásica, sin dramatismo excesivo, evocando una « pietà laica »: dignifica al difunto y lo sacraliza al servicio del mensaje político.
Conclusión
La forma neoclásica (orden, sobriedad, idealización) está al servicio de la función: el arte ilustrado educa y transforma, poniendo la razón y la virtud cívica por encima del simple deleite.

Resultado: « La muerte de Marat » muestra el arte neoclásico como instrumento de razón y progreso: su sobriedad y la idealización serena del héroe convierten un hecho político en lección de virtud cívica al servicio de la Revolución.

Errores frecuentes

Confundir Neoclasicismo con Rococó: el Rococó es sensual, recargado y aristocrático; el Neoclasicismo es sobrio, racional, de dibujo nítido y temática moral y cívica.
Reducir a David a un « pintor de historia » sin ver la función política de su arte al servicio de la Revolución y de la educación cívica del ciudadano.

Repaso activo

Observa una reproducción de « La muerte de Marat » de David. Explica en un texto breve (8-10 líneas) cómo el Neoclasicismo pone el arte al servicio de la razón y del progreso, y razona con dos rasgos formales concretos (la sobriedad del fondo y la idealización serena del cuerpo) cómo la obra cumple una función política y moral.

Recuerdo activo

Recuerda los puntos clave — luego revela.

Fuentes: Real Decreto 243/2022 — enseñanzas mínimas del Bachillerato (saberes básicos, Anexo II) (Gobierno de España — Boletín Oficial del Estado (BOE))

Romanticismo: el arte como idioma de sentimientos y emociones#

StandardBOE-A-2022-5521 · Anexo II · Historia del Arte · Bloque B.7 · HAR.2.3 / HAR.2.4

El eje razón–sentimiento: Neoclasicismo frente a Romanticismo

En las primeras décadas del siglo XIX, frente a la confianza neoclásica en la razón, surge el Romanticismo, que reivindica el sentimiento, la pasión, la libertad y la subjetividad del individuo. Este movimiento abre el saber básico B.7 del currículo —el arte como idioma de sentimientos y emociones, del Romanticismo a la vanguardia— y supone un giro decisivo: la obra de arte deja de buscar ante todo enseñar o representar el orden para convertirse en expresión directa del mundo interior del artista. Por eso el Romanticismo se considera el origen de la función expresiva moderna del arte, que culminará en la vanguardia.

El Romanticismo se define por una serie de rasgos contrapuestos a los neoclásicos: predominio del color y la pincelada suelta sobre el dibujo; composiciones dinámicas, diagonales y dramáticas frente al orden estático; y temas que exaltan la emoción —lo sublime, lo exótico, la historia contemporánea apasionada, la naturaleza desbordante, la libertad y la rebeldía—. El artista romántico valora la genialidad, la imaginación y la intensidad del sentimiento; el arte se vuelve idioma de la subjetividad. Este contraste razón–sentimiento es uno de los ejes comparativos clásicos de la Selectividad (Fig. 4).

Lo sublime romántico: « El caminante sobre el mar de nubes »

En la pintura sobresalen dos polos complementarios. Eugène Delacroix encarna el Romanticismo pasional y comprometido: « La libertad guiando al pueblo » (1830) traduce un acontecimiento político —la revolución de julio— en una imagen vibrante de color, diagonal ascendente y alegoría apasionada, donde la libertad es a la vez idea y emoción. Caspar David Friedrich representa el Romanticismo de lo sublime y lo espiritual: en « El caminante sobre el mar de nubes » (h. 1818), la figura de espaldas contempla un paisaje inmenso que expresa la pequeñez del hombre ante una naturaleza grandiosa, casi religiosa; el paisaje se convierte en estado del alma.

Desde la lógica de la competencia HAR.2.4, el Romanticismo se entiende como una ruptura con el Neoclasicismo en cuanto a la función dominante (del deber racional al sentimiento), aunque ambos conviven cronológicamente y comparten técnica académica. Lo decisivo es que el Romanticismo inaugura la idea de que el arte vale por su capacidad de emocionar y de expresar la interioridad: una línea que enlazará con el Realismo (que dirigirá esa sensibilidad hacia lo social), con el Impresionismo y, sobre todo, con las vanguardias del siglo XX, donde la expresión del sentimiento se hará programa.

Ejemplo resuelto

Comparación razón–sentimiento: David frente a Delacroix

Compara « El juramento de los Horacios » de David y « La libertad guiando al pueblo » de Delacroix, explicando cómo cada obra responde a una función distinta del arte (la razón neoclásica frente al sentimiento romántico) a partir de sus rasgos formales (cuestión de razonamiento, Selectividad).

Identificación
David: « El juramento de los Horacios » (1784), Neoclasicismo. Delacroix: « La libertad guiando al pueblo » (1830), Romanticismo.
Forma neoclásica
En David, composición geométrica y estable, dibujo nítido, luz contenida y gesto unánime hacia las espadas: el orden visual transmite la razón y el deber cívico.
Forma romántica
En Delacroix, composición piramidal pero dinámica, diagonal ascendente, color intenso y pincelada suelta, humo y movimiento: la forma transmite la pasión revolucionaria.
Funciones contrapuestas
David pone el arte al servicio de la razón y la virtud (función ideológica y moral); Delacroix lo pone al servicio de la emoción y el ideal de libertad (función expresiva).
Conclusión
Aunque ambos tratan temas cívicos, la función dominante cambia: del arte como razón (Neoclasicismo) al arte como idioma del sentimiento (Romanticismo), lo que ejemplifica la ruptura entre ambos movimientos.

Resultado: David y Delacroix muestran dos funciones opuestas del arte: la razón neoclásica (orden, dibujo, virtud cívica) frente al sentimiento romántico (dinamismo, color, pasión de libertad), prueba del giro hacia la función expresiva del arte moderno.

Errores frecuentes

Creer que el Romanticismo es « lo contrario del Neoclasicismo en el tiempo »: ambos coexisten en el primer tercio del siglo XIX; lo que cambia es la función dominante (razón frente a sentimiento).
Confundir el « sentimiento » romántico con simple sentimentalismo: incluye lo sublime, lo trágico, la libertad y la rebeldía, no solo la emoción amable.

Repaso activo

Compara « El juramento de los Horacios » de David y « La libertad guiando al pueblo » de Delacroix. Señala un rasgo formal opuesto en cada obra (orden geométrico frente a composición dinámica) y explica cómo cada uno responde a una función distinta: el arte como razón (Neoclasicismo) frente al arte como idioma del sentimiento (Romanticismo).

Recuerdo activo

Recuerda los puntos clave — luego revela.

Fuentes: Currículo de Bachillerato (LOMLOE) — materias y saberes básicos (Ministerio de Educación, Formación Profesional y Deportes — educagob)

Realismo y Goya: arte, crítica y compromiso social#

VertiefungBOE-A-2022-5521 · Anexo II · Historia del Arte · Bloque B.6 · HAR.2.3 / HAR.2.4

« Los fusilamientos del 3 de mayo »: la composición de la denuncia

Hacia mediados del siglo XIX, el arte asume de manera plena su función crítica y de denuncia social: ya no solo educa en la virtud ni expresa el sentimiento, sino que mira de frente la realidad de su tiempo —la pobreza, la injusticia, el trabajo, la guerra— para cuestionarla. Esta es la dimensión central del saber básico B.6: el arte como medio de progreso, crítica y transformación sociocultural. Dos protagonistas la encarnan en el currículo: el Realismo francés y, sobre todo, Francisco de Goya, el gran artista de transición y de crítica que anuncia el arte contemporáneo.

El Realismo (h. 1840-1870), encabezado por Gustave Courbet, propone representar la realidad tal cual es, sin idealización, dando dignidad y protagonismo a las clases populares y al trabajo. « El entierro en Ornans » (1850) muestra a gente corriente de un pueblo a tamaño monumental —escala antes reservada a la pintura de historia—, lo que constituye una afirmación social: lo cotidiano y lo humilde merecen ser pintados. Jean-François Millet, con « Las espigadoras » (1857), eleva la dura faena del campo a tema central. El Realismo conecta con el contexto del positivismo, las revoluciones de 1848 y la emergencia de la cuestión social: el arte se hace testimonio y denuncia.

Francisco de Goya (1746-1828) es la figura clave del tema: artista de transición entre los siglos XVIII y XIX que, partiendo de lo rococó y neoclásico, evoluciona hacia un arte profundamente crítico, subjetivo y moderno. Su obra recorre toda la gama de funciones del bloque B: « Los fusilamientos del 3 de mayo de 1808 » (1814) es una de las primeras grandes denuncias antibélicas de la historia del arte, donde el reo de camisa blanca y brazos abiertos —en gesto crístico— frente al pelotón anónimo y mecánico convierte el horror concreto en alegato universal contra la represión (Fig. 7). En los « Caprichos » y los « Desastres de la guerra » (grabados), Goya critica la superstición, la injusticia y la barbarie; y en las « Pinturas negras » de la Quinta del Sordo da forma a un mundo interior angustiado que anticipa el Expresionismo.

Desde la competencia HAR.2.4, Goya y el Realismo se entienden como un mecanismo de ruptura que abre el camino del arte contemporáneo: Goya, en concreto, es « padre del arte moderno » porque libera la pincelada, antepone la verdad y la emoción a la belleza académica y reivindica la libertad del artista para juzgar su época. Aquí la función crítica y social se vuelve dominante y subordina la estética: lo importante no es agradar, sino mostrar, denunciar y conmover —exactamente lo que el currículo pide saber distinguir y razonar con juicio crítico fundamentado (HAR.2.3.1).

Goya, artista de transición: del rococó a la crítica moderna

Ejemplo resuelto

Comentario de « Los fusilamientos del 3 de mayo » como denuncia

Analiza « Los fusilamientos del 3 de mayo de 1808 » de Goya como ejemplo de la función crítica y antibélica del arte, justificando con tres recursos formales cómo la dimensión social subordina la estética (cuestión de Selectividad).

Identificación
Óleo de Goya (1814) que representa el fusilamiento de patriotas madrileños por las tropas francesas durante la Guerra de la Independencia.
Función
Función crítica y de denuncia: no glorifica la batalla ni a los héroes, sino que muestra el horror de la represión y la muerte del inocente; el arte se hace alegato antibélico universal.
Recurso 1 — la luz
El farol del suelo proyecta un foco de luz cruda sobre la víctima, dejando al pelotón en penumbra: la iluminación dirige la empatía hacia el que va a morir.
Recurso 2 — el gesto
La víctima de camisa blanca abre los brazos en gesto crístico, convirtiéndose en mártir; el detalle eleva el hecho concreto a símbolo del sufrimiento humano.
Recurso 3 — el pelotón anónimo
Los soldados, de espaldas, alineados y sin rostro, son una máquina de matar deshumanizada: el anonimato denuncia la frialdad mecánica de la violencia.
Conclusión
Goya sacrifica la belleza idealizada a la verdad y a la emoción: la función crítica y social ordena la forma, y la obra se convierte en una de las primeras grandes denuncias antibélicas.

Resultado: En « Los fusilamientos del 3 de mayo », la luz dramática, el gesto crístico de la víctima y el anonimato del pelotón ponen la forma al servicio de la denuncia: el arte de Goya antepone la verdad social a la belleza, abriendo el arte de crítica moderno.

Errores frecuentes

Tratar a Goya como un pintor « solo de corte » o « solo romántico »: es un artista de transición y de crítica, anticipador del arte moderno, que recorre múltiples funciones.
Confundir Realismo con Naturalismo o con simple « pintura detallada »: el Realismo es una toma de postura social que dignifica lo popular y denuncia la injusticia, no solo una técnica minuciosa.

Repaso activo

Observa una reproducción de « Los fusilamientos del 3 de mayo de 1808 » de Goya. Explica en un texto (10-12 líneas) la función crítica y antibélica de la obra y razona, con tres recursos formales (el foco de luz sobre la víctima, su gesto de brazos abiertos y el anonimato del pelotón), cómo Goya pone el arte al servicio de la denuncia social.

Recuerdo activo

Recuerda los puntos clave — luego revela.

Fuentes: Real Decreto 243/2022 — enseñanzas mínimas del Bachillerato (saberes básicos, Anexo II) (Gobierno de España — Boletín Oficial del Estado (BOE))

De la vanguardia a Picasso: la denuncia (El Guernica)#

VertiefungBOE-A-2022-5521 · Anexo II · Historia del Arte · Bloque B.7 · HAR.2.3 / HAR.2.4

« El Guernica »: símbolos y estructura de la denuncia

En el primer tercio del siglo XX, las vanguardias artísticas radicalizan la función expresiva y crítica del arte: rompen con la representación tradicional de la realidad y reivindican la libertad total del lenguaje plástico para expresar emociones, ideas y denuncias. La línea que arranca en el Romanticismo —el arte como idioma de sentimientos— culmina aquí: Expresionismo, Cubismo, Surrealismo o Dadaísmo (este último, crítica radical incluso contra la guerra y el propio arte burgués) hacen de la forma misma un grito. En el currículo, esta cima la encarna Pablo Picasso, y su obra emblemática, « El Guernica ».

Pablo Picasso (1881-1973), figura central del arte del siglo XX, es el cocreador del Cubismo (con Braque), movimiento que descompone los objetos en planos geométricos y los muestra desde varios puntos de vista simultáneos, rompiendo con la perspectiva renacentista. « Las señoritas de Avignon » (1907) inaugura esa ruptura, en la que se nota la influencia del arte ibérico y africano. Esta revolución del lenguaje es la base formal que Picasso pondrá, años después, al servicio de la denuncia: el Cubismo no es solo un juego estético, sino una herramienta para expresar la fragmentación y el horror del mundo moderno (HAR.2.4: ruptura del lenguaje artístico).

« El Guernica » (1937) es el gran alegato antibélico del arte contemporáneo y el ejemplo culminante de la función crítica del arte. Picasso lo pintó para el pabellón español de la Exposición de París, como respuesta al bombardeo de la villa vasca de Guernica por la aviación alemana e italiana durante la Guerra Civil española. La obra renuncia al color —solo negros, grises y blancos, como la prensa y el luto— y despliega un lenguaje cubista y expresionista de figuras dislocadas que gritan de dolor: la madre con el hijo muerto, el caballo herido, el toro, el guerrero caído, la bombilla-ojo y la mujer con el quinqué (Fig. 10). No narra un hecho concreto, sino que convierte el sufrimiento en símbolo universal contra la violencia.

Desde la doble competencia del tema, « El Guernica » resume todo el recorrido: es la prueba de que la vanguardia (ruptura formal radical, HAR.2.4) puede ponerse al servicio de la más alta función crítica y social (HAR.2.3). El lenguaje deformado no es capricho: la dislocación cubista y la expresividad de los rostros son precisamente lo que comunica el caos y el espanto de la guerra. Aquí la dimensión crítica y expresiva subordina por completo la estética complaciente, en una línea que enlaza directamente con Goya: dos siglos, dos lenguajes muy distintos, una misma función de denuncia, lo que permite ese análisis comparativo de continuidad que pide la Selectividad.

Una misma función, dos lenguajes: Goya y Picasso

Ejemplo resuelto

« El Guernica » como alegato antibélico (HAR.2.3 / HAR.2.4)

Comenta « El Guernica » de Picasso como ejemplo de la función crítica del arte, explicando cómo el lenguaje vanguardista (ruptura formal) sirve a la denuncia y relacionándolo con « Los fusilamientos » de Goya (cuestión de Selectividad).

Identificación
Gran óleo de Picasso (1937) pintado para el pabellón español de la Exposición de París, en respuesta al bombardeo de Guernica durante la Guerra Civil española.
Función
Función crítica y de denuncia: alegato antibélico universal. No documenta el hecho, sino que convierte el sufrimiento en símbolo del horror de toda guerra.
Lenguaje vanguardista
Cubismo y expresividad: figuras dislocadas en planos geométricos, vistas múltiples, rostros que gritan; la ausencia de color (negros, grises, blancos) evoca la prensa y el luto.
Símbolos
La madre con el hijo muerto, el caballo herido, el toro, el guerrero caído y la bombilla-ojo construyen un repertorio simbólico del dolor y la violencia, no una escena narrativa.
Relación con Goya
Como « Los fusilamientos », antepone la denuncia a la belleza; pero donde Goya usa un lenguaje aún realista, Picasso emplea la ruptura cubista: misma función, lenguajes distintos.
Conclusión
« El Guernica » prueba que la ruptura formal de la vanguardia (HAR.2.4) puede servir a la más alta función crítica y social (HAR.2.3): la deformación es justamente lo que comunica el espanto.

Resultado: « El Guernica » es el alegato antibélico del arte del siglo XX: su lenguaje cubista-expresionista y la ausencia de color ponen la ruptura vanguardista al servicio de la denuncia, prolongando, con otro idioma, la función crítica que ya inauguró Goya.

Errores frecuentes

Buscar en « El Guernica » la narración realista de un hecho concreto: la obra no documenta el bombardeo, lo transforma en símbolo universal del horror de la guerra.
Interpretar la deformación cubista como « falta de habilidad »: es una elección de lenguaje que expresa el caos y el dolor; Picasso dominaba el dibujo académico desde joven.

Repaso activo

Observa una reproducción de « El Guernica » de Picasso. Explica (10-12 líneas) por qué se considera el gran alegato antibélico del arte del siglo XX, identifica tres de sus símbolos y razona cómo el lenguaje cubista-expresionista y la ausencia de color sirven a la función de denuncia. Relaciónalo brevemente con « Los fusilamientos del 3 de mayo » de Goya.

Recuerdo activo

Recuerda los puntos clave — luego revela.

Fuentes: Real Decreto 243/2022 — enseñanzas mínimas del Bachillerato (saberes básicos, Anexo II) (Gobierno de España — Boletín Oficial del Estado (BOE))

Arte urbano, fotografía y cine como crítica y transformación social#

StandardBOE-A-2022-5521 · Anexo II · Historia del Arte · Bloque B.7 · HAR.2.3 / HAR.2.4

El arte de crítica social de la Ilustración a la actualidad

El recorrido del tema desemboca en la contemporaneidad, donde la función crítica y de transformación social del arte se ejerce con nuevos lenguajes y medios. El currículo cierra el bloque B.7 con tres protagonistas: el arte urbano, la fotografía y el cine. Su novedad común es la capacidad de llegar a un público masivo y de operar fuera de los circuitos tradicionales del museo y la galería, lo que los convierte en herramientas privilegiadas de testimonio, denuncia y debate social en el espacio público y en los medios de comunicación.

El arte urbano (grafiti, muralismo, intervenciones en la calle) hace de la ciudad su soporte y del espacio público su escenario. Heredero del muralismo comprometido del siglo XX y del arte de protesta, reivindica la accesibilidad del arte y suele cargarse de contenido crítico —contra la desigualdad, el consumismo, la guerra o el deterioro ambiental—. Figuras como Banksy ejemplifican un arte de calle irónico y reivindicativo que cuestiona el poder, el mercado e incluso el propio sistema del arte. Su carácter efímero, anónimo y gratuito lo opone al arte como mercancía y lo reconecta con la función social.

La fotografía y el cine supusieron una auténtica revolución en el modo de representar la realidad. La fotografía, por su capacidad de captar el instante con apariencia de objetividad, se convirtió en documento histórico y estético de primer orden, especialmente como testimonio de los conflictos bélicos y de las grandes catástrofes del siglo XX; el fotoperiodismo de guerra mostró el horror de manera directa y removió conciencias. El cine, « séptimo arte », sumó el movimiento, el montaje y la narración, convirtiéndose en un poderoso medio de expresión emocional, de crítica social y también —recuérdese el tema de arte y propaganda— de manipulación.

Desde la perspectiva del tema, estos medios prolongan en clave actual la doble función de los bloques B.6 y B.7: el arte como idioma de sentimientos y emociones y como medio de crítica y transformación sociocultural. Conviene subrayar dos ideas que pide razonar el currículo (HAR.2.3.1): primero, que un mismo medio puede servir al testimonio crítico o a la propaganda, según el uso; segundo, que la democratización del arte (calle, reproducción fotográfica, pantalla) amplía su alcance social pero también plantea nuevos debates sobre autoría, mercado y verdad de la imagen, debates plenamente vivos hoy.

La imagen no es neutral: documento crítico frente a propaganda

Ejemplo resuelto

La fotografía: documento crítico o propaganda

Explica por qué la fotografía revolucionó la representación de la realidad y razona cómo un mismo medio puede ejercer la función crítica (documento, testimonio) o la propagandística (manipulación), según su uso (cuestión teórica, Selectividad).

La revolución
La fotografía capta el instante con apariencia de objetividad y se reproduce y difunde masivamente: se convierte en documento histórico y estético, accesible a un público amplio.
Función crítica
Como testimonio —en especial el fotoperiodismo de los conflictos bélicos del siglo XX— muestra el horror de manera directa y mueve conciencias: el arte como denuncia y transformación.
El medio no es neutral
El encuadre, el momento elegido, el recorte y, en el cine, el montaje son decisiones interpretativas: la imagen siempre selecciona y orienta la mirada, no refleja sin más.
Función propagandística
Esas mismas decisiones pueden ponerse al servicio de la manipulación: descontextualizar, idealizar a un líder u ocultar; el medio sirve entonces a la propaganda.
Conclusión
Es el uso, no el medio, lo que decide la función: la fotografía y el cine pueden ser documento crítico o instrumento de propaganda, lo que obliga a una lectura crítica de la imagen.

Resultado: La fotografía y el cine revolucionaron la representación al captar y difundir la realidad masivamente; pero, como ninguna imagen es objetiva (encuadre, momento, montaje), un mismo medio puede servir al testimonio crítico o a la propaganda según su uso.

Errores frecuentes

Considerar que el arte urbano « no es arte » por estar en la calle o ser efímero: precisamente su accesibilidad y su carga crítica lo integran en la función social del arte.
Olvidar que la fotografía y el cine no son neutrales: la elección del encuadre, el momento y el montaje implica una interpretación, no un reflejo objetivo de la realidad.

Repaso activo

Elige un medio contemporáneo de los estudiados (arte urbano, fotografía o cine) y explica, en un texto breve (8-10 líneas), cómo ejerce la función crítica y de transformación social del arte. Razona dos ventajas que ofrece frente al arte tradicional de museo y un riesgo asociado a su uso (por ejemplo, la posibilidad de propaganda o la pérdida de objetividad).

Recuerdo activo

Recuerda los puntos clave — luego revela.

Fuentes: Currículo de Bachillerato (LOMLOE) — materias y saberes básicos (Ministerio de Educación, Formación Profesional y Deportes — educagob)

Referencias y fuentes

Fuentes

Gobierno de España — Boletín Oficial del Estado (BOE)

Real Decreto 243/2022 — enseñanzas mínimas del Bachillerato (saberes básicos, Anexo II)

Ministerio de Educación, Formación Profesional y Deportes — educagob

Currículo de Bachillerato (LOMLOE) — materias y saberes básicos

Puntos clave

Comentario de « La muerte de Marat » de David

Puntos clave

Comparación razón–sentimiento: David frente a Delacroix

Puntos clave

Comentario de « Los fusilamientos del 3 de mayo » como denuncia

Puntos clave

« El Guernica » como alegato antibélico (HAR.2.3 / HAR.2.4)

Puntos clave

La fotografía: documento crítico o propaganda

Fuentes

Arte, crítica y transformación social

Puntos clave

Comentario de « La muerte de Marat » de David

Puntos clave

Comparación razón–sentimiento: David frente a Delacroix

Puntos clave

Comentario de « Los fusilamientos del 3 de mayo » como denuncia

Puntos clave

« El Guernica » como alegato antibélico (HAR.2.3 / HAR.2.4)

Puntos clave

La fotografía: documento crítico o propaganda

Fuentes